En ‘MULTIINDISCIPLINAR’, la exposición que actualmente presenta en Espacio Candela, Tana Lakale desafía los límites de la técnica y la clasificación artística. Su trabajo desafía las categorías convencionales y celebra la indisciplina como motor creativo, un caos controlado en el que el dibujo, la pintura, el vidrio, la escultura y la luz coexisten con naturalidad.
A través de piezas como ‘Disociada Viva’, ‘La Protegida’ o ‘New Jersey’, Lakale demuestra que su proceso no responde a reglas fijas, sino a la búsqueda constante del mejor lenguaje para cada idea. La improvisación, el error y la experimentación juegan un papel clave en su práctica, donde la moda, la vida urbana y la cultura digital se filtran en su obra de maneras inesperadas.
En esta entrevista, la artista nos habla sobre su proceso, la relación entre disciplina e indisciplina, y la manera en que su arte evoluciona con el tiempo.
1.- ‘MULTIINDISCIPLINAR’ juega con la idea de lo indisciplinar y lo múltiple. ¿Cómo llegaste a este concepto y qué representa para ti en esta exposición?
Cuando me propusieron la idea de la exposición, me entusiasmé mucho porque llevaba casi un año trabajando en paralelo con cuatro de las obras que presenté: ‘She’s Sooooo Stupid’, ‘Disociada Viva’, ‘La Protegida’ y ‘New Jersey’. Aunque nunca fueron pensadas para exponerse juntas, todas son proyectos personales que, curiosamente, utilizan técnicas diferentes. Este hecho refleja, de forma representativa, cómo se desarrolla mi trabajo y mi día a día, donde la técnica se convierte en una elección consciente: el lenguaje que considero que mejor explicará la idea que estoy desarrollando. Al final, decidimos completar el espacio con otras dos obras que para mí ya son clásicas en mi catálogo: ‘El Mundo’ y ‘La Mala Sangre’. Así se cerró el concepto de la multiplicidad disciplinar, que conecta todas las piezas de manera orgánica.
2.- El título de la exposición juega con la palabra ‘indisciplinar’. ¿Cómo defines la indisciplina en tu práctica artística?
Creo que convivo constantemente con la idea de que podría estar haciendo más, o al menos de una manera más organizada: tener horarios más definidos o seguir una rutina convencional. Sin embargo, siempre termino trabajando en horas intempestivas, sintiendo la presión del deadline que se acerca. Aunque, si soy sincera, dentro de este caos también hay mucha organización y constancia. Son años de creer en mi proyecto y de dedicarme a él. Así que, podría decirse que mi disciplina es más bien mejorable, un caos controlado.
3.- Tus obras cohabitan sin jerarquías y se nutren de múltiples lenguajes y materiales. ¿Cómo decides qué medio utilizar para cada pieza?
Normalmente parto de una idea que dejo madurar en mi cabeza o en una libreta, a veces durante largos periodos de tiempo, hasta que encuentro un soporte adecuado. A partir de ahí, empiezo a definir la técnica a utilizar, siempre con la intención de elegir la que mejor represente la idea. En otras ocasiones, simplemente tengo ganas de probar una técnica que aún no domino o de explorar algo nuevo. Las ideas son infinitas, y los materiales también, así que cambiar de técnica constantemente me permite aprender y mantenerme entretenida, evitando caer en la rutina.
4.- ¿Qué papel juega la improvisación en tu proceso?
La improvisación es una aliada. Aunque a veces tener una hoja de ruta es necesario, en muchas ocasiones se presentan oportunidades inesperadas que podrían dar mejores resultados que lo que originalmente había planeado. Saber identificar estos momentos y aprovecharlos, incluso si se desvían del camino inicial, es una parte crucial del proceso creativo.
5.- El dibujo es tu lenguaje primordial, pero en esta exposición se mezcla con pintura, vidrio, escultura y luz. ¿Cómo fue el proceso de integrar estos materiales?
Para mí, el dibujo es un medio, no necesariamente un fin. Es como los storyboards de una película, donde los dibujos se utilizan para visualizar las ideas antes de que se materialicen en una obra final. Es el modo más accesible para trasladar mis ideas a un lenguaje visual. El resto de los materiales los elijo según lo que creo que dará el mejor resultado para transmitir lo que quiero expresar. Cada pieza tiene sus propias necesidades, y el material adecuado depende de lo que se requiere para desarrollar esa idea.
6.-¿Sientes que hay un hilo conductor en todas tus obras, a pesar de la diversidad de materiales y técnicas?
Definitivamente. A lo largo de los años, hay ciertos temas y conceptos que se repiten y evolucionan. Supongo que mi propia experiencia de vida, junto con mis intereses, forman ese hilo conductor que atraviesa todas mis obras, más allá de los materiales o las técnicas que utilice.
7.-La vida urbana aparece como tema clave en tu trabajo. ¿Cómo se manifiesta en esta exposición?
Es interesante, porque a medida que crezco, la vida urbana se ha ido convirtiendo en un tema menos recurrente en mi obra. Ya no paso tanto tiempo en la calle como lo hacía hace diez o cinco años. Hoy, paso más tiempo en casa o en otros espacios de ocio que no son la calle, y eso ha hecho que me aleje un poco de las narrativas urbanas que solían ser tan literales. Hoy, esa influencia urbana se manifiesta de manera más abstracta. Por ejemplo, en ‘El Mundo’, que representa cómo todas nuestras experiencias, tanto personales como sociales, están conectadas de alguna forma.
8.- ¿Qué historias o experiencias personales han influenciado directamente en estas obras?
Algunas piezas están directamente inspiradas en experiencias personales, mientras que otras nacen del lenguaje de internet o de memes. De alguna manera, todas están conectadas a mi vida y a mi contexto.
9.- Presentas un suéter tejido con bufandas recicladas de tu colección anterior. ¿Qué significado tiene para ti este gesto de reutilización?
Llevaba tiempo queriendo hacer algo tejido porque me encanta el acabado y la textura que aporta. Creo que da una profundidad que no tiene una prenda estampada. Tenía algunas bufandas que quedaban por vender, así que decidí reciclarlas y hacer algo nuevo con ellas, en lugar de venderlas tal como estaban. Para mí, fue una manera de divertirme con mis propios recursos y hacer algo diferente, lejos de lo esperado.
10.- ¿Ves la moda como una extensión natural de tu práctica artística?
Sí, cuando era pequeña quería ser diseñadora de moda. Aunque finalmente seguí otro camino, la moda ha estado siempre presente en mi vida. De hecho, la primera forma en que empecé a vender mis ilustraciones fue a través de camisetas. Aunque no sé de patronaje y costura, contar con la colaboración de Marmi Studio para confeccionar estos jerséis fue una experiencia muy enriquecedora. Me permitió trabajar con otra artesana y, al mismo tiempo, explorar una faceta diferente de mi obra.
11.- ¿Cómo influye el error o el accidente en tu proceso creativo?
No creo que haya errores en el arte. En el diseño, sí podría considerarse un error, pero en el arte, los llamados "errores" pueden ser simplemente una parte del proceso. Lo importante es reconocerlos y decidir si corregirlos o integrarlos en la obra de manera que enriquezcan el resultado final.
12.- ¿Cómo ha cambiado tu enfoque artístico a lo largo del tiempo?
He notado que últimamente disfruto más de los procesos manuales que del dibujo digital. Hace ocho años, cuando tuve mi primer iPad, fue como un descubrimiento revolucionario. Sin embargo, ahora lo veo más como una herramienta de trabajo que como una herramienta creativa. Hoy, disfruto mucho más con las técnicas manuales, como la pintura y la escultura, porque siguen representando un reto para mí, algo que no siento tanto con el dibujo digital.
13.- ¿Cómo te gustaría que el público experimentara esta exposición? ¿Hay algo en especial que esperas que se lleven de ella?
Eso se lo dejo a cada unx. Solo quiero que se sumerjan en la exposición, que disfruten de los detalles y que estén presentes. Al final, lo que más puedo pedir es que se sumerjan en la experiencia.
14.- ¿Qué nuevas exploraciones o direcciones te gustaría tomar en el futuro?
Me gustaría expandir mi trabajo a otros países, para aprender cómo se maneja el arte y el diseño fuera de los contextos que conozco. También me atrae la idea de explorar la dirección de arte y la escenografía. Siento que es un campo con un potencial ilimitado, especialmente si estás en el proyecto adecuado con un equipo adecuado.
Sobre la artista
Tana Lakale (*1998) es una artista nacida en Cerdanyola del Vallès y residente en Barcelona.
Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y Arte Gráfico y Cómic en la escuela JOSO de Barcelona, ha basado su trayectoria principalmente en la ilustración digital, y aunque el dibujo siempre ha sido su base, ha podido aplicar sus creaciones a múltiples y diversos medios como la escultura 3D, la pintura al óleo o el muralismo, entre otros. Ganadora del Premio Patrim 2021, por la facultad de Bellas Artes de la UB y becada en el Siena ART Institute en 2020. Entre sus trabajos más recientes y destacados está su participación como Directora Creativa para el programa de TV3 ‘Epic Nails’ en sus dos temporadas (2023, 2024). Donde además de diseñar la estética gráfica y el plató del concurso, ha aportado obras hechas por encargo para la decoración del Set. Ha colaborado en proyectos como Set Designer y Directora de Arte en varios videoclips y actuaciones en vivo, siendo la más especial para las artistas Kitty110, La Blackie y L’Beel para el Sonar 2023.
